Анимационная студия Blaster

Ликбез по техникам анимации
Для того, чтобы создать ощущение движения, нужно создать множество последовательных изображений. Техника анимации – это способ получения последовательных изображений.

Начинаем обзор техник с самой первой и самой важной техники.
Классическая покадровая анимация
Это самая первая анимационная техника, каждый кадр нарисован вручную. Классический формат кино – 24 кадра в секунду, но для того, чтобы движение выглядело плавным, достаточно рисовать по 12 кадров в одну секунду.

Английское название Cel Animation происходит от слова celluloid – целлулоид – материал, из которого состояли плоские прозрачные листы, на которых аниматоры рисовали каждый кадр с движениями персонажа.

Затем многочисленные художники по цвету окрашивали каждый кадр с персонажем в определенные, отобранные специально для этого персонажа, цвета. Состав краски был очень специфическим, ведь цветовой тон не должен был отличаться на тысячах кадров, которые окрашиваются разными художниками.

После этого окрашенное изображения на листах целлулоида накладывалось на фон и фотографировалось на пленку – так получались финальные кадры.

В этой технике сделаны все старые мультфильмы и сериалы Disney, старые сериалы Warner Brothers, все советские не кукольные мультфильмы и аниме.
Видео о том, как создавались анимационные фильмы в 1930-х годах.
Несмотря на то, что сейчас все кадры рисуются уже не на прозрачных листах целлулоида, а на компьютере, суть техники остается прежней.

Пожалуй, можно говорить о том, что рисованная покадровая анимация – наиболее свободная анимационная техника, ведь то, как двигается форма тела персонажей и формы их лиц, повороты сюжета, реквизит и локации не ограничены ничем, кроме фантазии автора. Именно в этой технике находят максимальное выражение принципы анимации, которые были в большинстве своем разработаны в студии Disney. С этой техникой так или иначе знакомятся все мультипликаторы в процессе учебы.

Еще лет 5 назад казалось, что для классической покадровой анимации все меньше места на современном рынке, ведь фильмы, сделанные в 3D выглядят сейчас ярче и привлекательнее для детей. Тем не менее, сейчас мы наблюдаем возрождение интереса к этой технике. О причинах этого поговорим в другой раз, а сейчас хочу обратить ваше внимание на фильм Клаус 2019 года.
Фильм сделан в классической технике покадровой анимации, однако за счет инновационных технологий покраски, он выглядит так, как будто бы сделан в 3D.

Очень советую посмотреть этот фильм, потому что на уровне ощущений можно уловить разницу характера анимации 3D, к которой все привыкли за последнее время, и очень качественной рисованной анимации, про которую уже начали понемногу забывать.

Первые опыты с 3D внутри покадровой анимации
Сейчас, когда практически всю анимацию делают на компьютере, нет никакой проблемы внедрить 3D объект внутрь изображения.

Однако мультипликаторы начали экспериментировать с 3D объектами задолго до того, как появилась возможность использовать компьютер. В студии Макса Флейшера (Max Fleischer) придумали приспособление, которое называется Setback. Вместо того, чтобы рисовать фон, создавался макет, который устанавливался на крутящийся столик.

Целлулоид с анимированным персонажем помещался в специальную раму перед моделью. Модель фотографировалась сквозь лист анимированным персонажем. Затем столик поворачивался на небольшой угол, а в рамку помещался следующий кадр.

Пример использования setback можно увидеть в этом фрагменте из Папая Моряка.
Надо сказать, что Макс Флейшер придумал не только setback.
Он первый начал использовать в качестве фонов реальные фотографии, чтобы интегрировать туда анимированного персонажа, как это сделано в фильме Ha! Ha! Ha!

А еще раньше, в 1914 году он изобрел ротоскоп, а в 1917 году получил на него патент. Об этом чуть ниже.

Другой пример того, как можно было интегрировать 3D объект в покадровый мультфильм можно увидеть в "101 долматинце" 1961 года.

Автомобиль Круэллы Дэ Виль и грузовик в сцене с погоней сначала были сделаны в виде картонных моделей. Аниматоры двигали модели и снимали их на пленку. Затем отснятые материалы были переведены на целлулоид и покрашены. Именно поэтому картонные модели были сделаны в белом цвете, а линии фиксировали края плоскостей для точного наложения цвета.

Фотографии взяты из блога.

Лимитированная анимация
Чтобы сэкономить производственные бюджеты, придумали следующую технику. Вместо того, чтобы перерисовывать всего персонажа целиком, его разделили на отдельные части – ноги, руки, туловище, голова.

Если все тело не двигается, а двигаются только руки, значит можно перерисовать только руки, а все остальные части тела не трогать.

Анимация стала выглядеть более статично, тем не менее, это не мешало любить героев.
Yogi Bear – 1958 год
Flinstones – 1961 год
Именно эти принципы лимитированной анимации сейчас широко используются в программах Adobe Animate (бывший Adobe Flash) и Toom Boom Harmony, но появились они задолго до появления Flash.

Рик и Морти, Симпсоны, Футурама, Гравити Фоллз – все это примеры классической рисованной, но в той или иной степени лимитированной анимации. В сериале Конь БоДжек лимитирование выражено сильнее.

Ротоскопирование
Ротоскоп был запатентован Максом Флейшером в 1917 году. Главным компонентом устройства был кинопроектор, который проецировал по одному кадру изображение на лист бумаги. Аниматор обрисовывал изображение, а затем получившиеся листы фотографировались опять.

Процесс был довольно длительным, однако гладкость анимации стала существенно более высокой. Первым крупным проектом, использующим эту технику, стала серия фильмов Out of the Inkwell, которая выходила с 1918 по 1929 год, и первое время выпускалась под брендом Bray Studio (где, кстати, и был изобретен процесс с прозрачным целлулоидом).

На контрасте с анимационными продуктами других студий, этот проект имел огромный успех. Посмотрите, например, вот этот чудесный мультфильм. Сам Макс Флейшер играет в нем художника-аниматора, который пытается угомонить нарисованного клоуна.

Техника ротоскопирования прочно заняла свое место в индустрии. Первым полнометражным фильмов, в котором использовали ротоскоп, стал "Белоснежка и 7 гномов" студии Уолта Диснея, затем была "Золушка", "Алиса в стране чудес" и другие фильмы.

В советской мультипликации ротоскоп использовался при создании фильмов «Снежная королева», «Золотая антилопа», «Цветик-семицветик», «Каштанка», «Аленький цветочек» и многих других.

Аналог ротоскопирования есть и в 3D-анимации. Часто, чтобы сцена была сыграна более правдоподобно, аниматор снимает актера или самого себя на камеру. А затем анимирует модель максимально точно в соответствии с тем, как это будет в реальной жизни.

Иногда это называют "работа по референсу". Отношение к этому процессу в индустрии разное. Бесспорно, ротоскопирование позволяет максимально точно и быстро перенести реальный характер движения в мультфильм.

Но разве мы смотрим мультфильмы для того, чтобы увидеть реальность, пусть и нарисованную?

Подписывайтесь на наш телеграм-канал "Время анимации"
Анимационная студия Blaster

г. Москва, ул. Профсоюзная, 96к1, 311
© All rights reserved. Blaster Studio